Cultura
EXPOSICIÓN
“BN FABRE”
PATRICIA FABRE
Inauguración: 06 de mayo, 19.00 horas
06 de mayo al 06 de junio de 2025
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
Un plano craquelado, hecho al pulso de Patricia Fabre, en negro sobre fondo blanco, en sus múltiples libretas, hojas sueltas, bastidores, dibujos emplazados incluso en relieve metalizado, es lo que define la pureza y la fibra del trabajo de esta artista mexicana que delata su motivación: lo lineal.
BN FABRE, es un acercamiento a lo que precede la obra cromática de Patricia Fabre, es lo que da significado a un lenguaje artísticamente particular, sus líneas definen su alfabeto visual, lo hace universal. No es cosa fácil, suscribirse como artista desde lo lineal es uno de los grandes méritos, primero por lo monocromático, y enseguida por el volumen que adquieren los diferentes planos, hay en su lenguaje bidimensional un sonido tridimensional que invita a recorrer esos espacios, esos pasillos, es decir: no ir a un laberinto, sino recorrer visualmente su trazo, que no sabemos a que espacio nos conduce, pero, si ponemos nuestro dedo índice sobre uno de esos huecos y lo desplazamos hacia el frente, hacia abajo o apuntamos a cualquier otro lugar nos daremos cuenta que la obra de arte ya cumplió su función: pasear por sus diferentes fronteras sonoras. Mucho de lo que está detrás de cada uno de sus dibujos está intrínsecamente ligado a lo musical.
BN FABRE, se presenta en el Instituto Cultural de México en España, aquí se muestra la versión de un conjunto de dibujos en blanco y negro y una serie sublime de platos producidos en la cerámica de talavera, éste es tan solo un ejemplo del poder visual de su alfabeto, que radica en la posibilidad de aplicación en cualquier soporte. El grupo de estos platos adquiere inmediatamente el valor con el que sueña todo objeto: gustar y emocionar.
Fabre ya nos condujo con sus diferentes líneas a los rincones en los cuales igualmente los visitantes inspirados en la única pieza que tiene color, podrán colorear con toda libertad esos huecos blancos entre sus múltiples líneas en el catálogo de la exposición, la artista acepta la transgresión como un acto de complicidad.
Germán Montalvo
Patricia Fabre. Artista mexicana. Ha participado en más de 60 exposiciones individuales y colectivas. Sus piezas participaron en la II y III edición de la Bienal del Pacífico de Pintura y Grabado “Gauguin”. En fechas recientes, ha expuesto en espacios como la Galería de Arte del Palacio Municipal de Puebla, el Museo de la Memoria Histórica Universitaria. Centro Cultural Indianilla y el Museo Internacional del Barroco. En los últimos años ha dedicado buena parte de su producción artística a la elaboración de libros de artista.
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EXPOSICIÓN
“ESTRATEGIAS DE RECUPERACIÓN”
CRISTÓBAL ASCENCIO
Curadora: Dea López
Inauguración: 26 de febrero, 19:00 horas
26 de febrero al 23 de abril de 2025
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
"Estrategias de recuperación" es la primera exposición individual en Madrid del fotógrafo mexicano Cristóbal Ascencio Ramos.
Los tres proyectos que conforman esta muestra: “Las flores mueren dos veces" (2021-2024), "Palimpsesto" (2024-2025) y "Maíz" (2023 – en curso) en colaboración con Alba Serra exploran la distorsión, el glitch, la fragmentación y la reinterpretación como parte del proceso de recordar. En esta exposición, las imágenes son tratadas como contenedores frágiles y maleables, que guardan no sólo representaciones visuales, sino también capas de historia, emoción y significado. La modificación de estos datos –mediante la distorsión del código- se convierte en una metáfora de cómo la memoria es afectada por el paso del tiempo, la pérdida y la reinterpretación constante.
Las imágenes en estos proyectos reflejan un proceso similar al de la memoria humana: los datos originales pueden estar presentes, pero cada nueva intervención crea una transformación, revelando tanto lo que se ha perdido como lo que emerge en el acto de recuperación. Esta dualidad constante en los tres proyectos, donde la alteración intencional y el error voluntario sugieren la inevitabilidad de que nuestras percepciones cambien y se expandan con cada recuerdo revisitado.
La transparencia del proceso creativo se convierte en un eje central: las imágenes de Ascencio no ocultan sus marcas de construcción ni su fragilidad. Al hacer visible el proceso detrás de su creación, el artista revela las decisiones, las fallas y las reinterpretaciones que subyacen en cada fragmento visual, creando espacios de anclaje a una memoria más visible, cercana y consciente.
El resultado es un documentalismo radical donde la superficie cuenta sobre el hecho, mientras que el proceso revela la carga simbólica y emocional del lugar y personajes. Las imágenes ya no sólo presentan una narrativa acabada, sino que abren espacios para la reflexión y el diálogo en torno a las memorias colectivas e individuales que contenemos y transformamos continuamente.
En un momento donde las imágenes son a menudo tomadas como verdades absolutas, estos proyectos exponen su naturaleza inherentemente subjetiva y manipulable, recordándonos que no siempre podemos confiar en ellas como espejos fieles de la realidad. Nos invitan a cuestionar la superficie de las imágenes, el papel de quienes las crean y los propósitos detrás de su construcción.
La memoria no es estática; se reescribe con cada acto de recuperación. Así, el recuerdo se convierte en un proceso dinámico que no busca reconstruir lo perdido, sino encontrar nuevas formas de habitar la memoria, con todas sus imperfecciones, quiebres y posibilidades.
Curadora: Dea López
*La exposición contó con la colaboración de Boom Art Community y el Grupo Entre Compas.
Cristóbal Ascencio (Guadalajara, 1988). Fotógrafo mexicano. Estudió la Licenciatura en Medios Audiovisuales y Publicidad por la CAAV Universidad de Medios Audiovisuales de Jalisco y un Máster en Fotografía Contemporánea y Gestión de Proyectos en EFTI Centro Internacional de Fotografía y Cine de Madrid. Su trabajo se centra en la relación que existe entre imágenes y memoria y cómo construimos diferentes identidades y realidades a partir de esta correspondencia. Su práctica se expande a nuevas formas de la imagen como la realidad virtual, la manipulación de datos y la fotogrametría. Formó parte de los artistas seleccionados para la edición 2024-25 de Foam Talent (Amsterdam) y de la edición 2023 del Plat(t)form del Fotomuseum Winterthur (Suiza). En 2022, fue incluido en la lista "Ones to Watch" por el British Journal of Photography y en la lista "The Next Great Fashion Image Makers" de Photo Vogue. Ese mismo año, su trabajo fue expuesto en el Festival de Fotografía de Getxo (España) y el Festival Encontros da Imagem de Braga (Portugal); fue preseleccionado para la beca del PhMuseum; y recibió el primer premio de revisión de porfolios en los festivales españoles Art Photo Bcn y Panorámic Festival. En 2021, su obra fue seleccionada en el PhotoSlam de Les Rencontres d'Arles (Francia). Ha sido beneficiario del Programa Jóvenes Creadores del FONCA (2022-2023) y de la beca “ARTeCHÓ - Art, Economy & Technology Fellowship” (2023).
Dea López (Oaxaca, 1997). Investigadora artística y curadora mexicana. Egresada de la licenciatura en Arte Contemporáneo por la Universidad Iberoamericana Puebla. Actualmente cursa el Máster Interuniversitario en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en la Universidad Complutense de Madrid en colaboración con la Universidad Autónoma de Madrid y el Museo Reina Sofía con el apoyo del Programa de Becas de Fundación Jumex Arte Contemporáneo y del Programa de apoyo a Profesionales de la Cultura y el Programa de Arte del CONACYT Convenios SACPC - FINBA 2024. Su interés se centra en las prácticas relacionales, el arte público y los afectos para la vinculación de conocimiento colectivo. Su práctica trabaja desde el cuerpo como un espacio para producir conocimiento a partir de las experiencias y el territorio. En este mismo año, fue seleccionada como Seed Award Recipient por el Prince Claus Fund de Países Bajos. Ha colaborado con proyectos como FEMSA HacerNoche, Proyecto Caimán, SITAC, Museo Amparo, Museo de Arte Contemporáneo de Zapopan, FoodCultura y Salón ACME.
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EXPOSICIÓN
"LA TRENZA"
DE MALENA DÍAZ
Inauguración (con presencia de la artista): 20 de enero, 19:00 horas
21 de enero al 20 de febrero de 2025
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
“La trenza” es una pieza onírica que manifiesta la relación de la artista con los campos de cultivo de milpa y el maíz. Cuando se teje una trenza, se articulan historias y formas de entender la vida. De esta manera, la comunidad del maíz se entrelaza con intercambios de semillas, ciclos lunares, ceremonias y miles de años de información contenidos en un solo grano de maíz.
Esta exposición es un homenaje a los guardianes que cuidan con devoción sus campos, sus familias y todo lo que se teje a través de la cultura alimentaria y milenaria de Mesoamérica. Con esta serie, la artista recuerda su propio legado familiar, a su abuela sentada en la banca del patio peinándose, acariciando con paciencia su cabello…
La luz tiene un papel fundamental en la obra de Malena Díaz. Luz que espera pacientemente, como una abuela que prepara un platillo de comida caliente para su familia o una madre que peina con delicadeza el cabello de sus hijas antes de dormir.
Con esta serie, Díaz visibiliza también a las poblaciones que siembran maíz al pie de la “Matlalcueyetl”, el volcán más antiguo de México, conocido también como “La Malinche”. A familias como la de Simón y Ana, quienes elaboraron las trenzas de colores para las fotografías y recibieron en su hogar a la artista. Mexicanas y mexicanos que diariamente trabajan el campo, a sol y sombra, con sus manos y corazón.
Finalmente, “La trenza” es un homenaje a todas las historias de vida que se construyen alrededor del maíz: de quienes lo siembran, de quienes lo venden, de quienes lo compran y de quienes lo consumen.
La exposición cuenta con la colaboración de Hijo del Maíz y Maíz Maya.
Malena Díaz (Tlaxcala, 1972). Fotógrafa mexicana. Ha participado en más de 300 exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero. Actualmente es directora de FOTO13 Festival Internacional de la Imagen en Tlaxcala, del Museo del Pulque (ubicado en la Hacienda Soltepec) y de la Galería Malena Díaz (Huamantla, Tlaxcala).
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EXPOSICIÓN
PRESERVING INSTANTS
DE JOHANNA ELIAS
Inauguración: 20 de enero, 19:00 horas
21 de enero al 20 de febrero de 2025
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
Una mirada a la naturaleza, a la ciudad... a la vida. Detenerse un instante para transmitir una emoción. La sensibilidad de Johanna Elias se suma a una generación de creadores de imágenes, aquellos capaces de reavivar avalanchas de emociones y de llevarnos a redescubrir rostros y objetos. En esta era de sobrecarga visual, valoramos aún más a quienes, con su energía, nos invitan a observar.
Es precisamente la sensibilidad de Elias la que nos brinda tranquilidad y, al mismo tiempo, nos mueve a reflexionar sobre el movimiento, el vacío, el aquí y el ahora... Un vínculo entre el ser humano y la naturaleza. Su intuición sobre la importancia del objeto frente al sujeto retratado da vida a fotografías que, ya sea en color o en escala de grises, nos hacen vibrar.
Fotografía digital en amplios géneros y direcciones. Imágenes que invitan a espectadores activos. Un momento en el que el cuarto oscuro y el álbum fotográfico convencional han dado paso a escenas que llegan a las paredes.
Crear un resultado visual específico es un proceso que exige no perder de vista los detalles: menos es más; enfocar el objetivo; posicionar dentro del encuadre; buscar líneas diagonales y triángulos que generen tensión y dinamismo; incorporar patrones y texturas para añadir un toque especial; y finalmente, la regla de lo improbable: ver más allá de lo capturado, lo inadvertido que se revela. Impresiones metálicas sublimadas que ofrecen rigidez, resistencia y calidad de alta resolución, transformando el ambiente donde se presentan.
Para lograr una "buena imagen," se requiere un cuidado especial en la composición, considerando perspectiva, enfoque, espacio e iluminación. La fotografía también es un contexto que permite entender el verdadero significado de lo retratado: la fuerza evocadora de la imagen.
Johanna rescata ese lugar desconocido, recupera historias olvidadas que forman parte de la memoria colectiva. Su fotografía logra detener el tiempo y enfocar el espacio en un instante. Sus imágenes señalan aquello que merece ser expuesto y reconocido.
Las obras de Elias Slim nos abren a emociones, experiencias y recuerdos que no son fáciles de encontrar. Su fotografía no ilustra; crea una ventana a otras dimensiones. No se trata de producir obras, sino de percibir con todos los sentidos... de sentirnos acompañados a través de imágenes que rearticulan la belleza.
Johanna Elias (Ciudad de México, 1999). Fotógrafa mexicana. Licenciada en Comunicación y Mercadotecnia por el Tecnológico de Monterrey. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en espacios culturales de México, Bélgica y Austria. “Preserving Instants” es su primera exposición individual en España.
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EXPOSICIÓN
“ENRAIZADAS. MUJER Y MÉXICO”
YOSI ANAYA Y SARA CORENSTEIN
COMISARIADO POR INTERNATIONAL CURATORSHIP: MARÍA ORTEGA Y YOSI ANAYA
Inauguración (con presencia de las artistas): 14 de noviembre, 19:30 horas
14 de noviembre de 2024 a 10 de enero de 2025
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
El arte de la fibra tiene muchas vertientes y continuamente es un terreno de exploración en el cual convergen numerosas disciplinas, técnicas y materiales. Esta práctica artística ha permitido abrir una corriente de expresión dentro del mundo contemporáneo en donde figuran y se hacen presentes, mayoritariamente, las mujeres.
“Enraizadas. Mujer y México” presenta un diálogo entre el paisaje interno e íntimo de Sara Corenstein, y el paisaje externo y etéreo de Yosi Anaya. Sus temáticas son abordadas desde diferentes visiones y vivencias personales, en un proceso de búsqueda de identidad y arraigo al complejo país que es México, territorio en el que sitúan sus respectivas búsquedas.
Ambas artistas expresan el arte de la fibra en diferentes maneras. Mientras que Sara lo hace mediante las conexiones y rupturas de su linaje familiar y sus sueños, Yosi se conecta con el paisaje físico de México, sus historias diversas, culturas ancestrales y el paso del tiempo.
Los elementos sobresalientes de sus búsquedas como artistas confluyen mediante el diálogo interno dentro de la gran urbe y el campo, de lo observado a lo reflexionado, de lo soñado a lo sentido.
International Curatorship (María Ortega y Yosi Anaya)
La exposición forma parte de la Bienal de Mujeres en las Artes Visuales.
Para más información consulta aquí: Documento explicativo. Exposición "Enraizadas. Mujer y México"
Visitas guiadas por la exposición "Enraizadas. Mujer y México":
- Viernes 22 de noviembre. 18.30-19.30 horas. Visita con presencia de las artistas Yosi Anaya y Sara Corenstein.
- Miércoles 27 de noviembre. 18.30-19.30 horas.
- Jueves 12 de diciembre. 18.30-19.30 horas.
- Jueves 19 de diciembre. 18.30-19.30 horas.
Las visitas son abiertas y sin necesidad de inscripción o registro previo.
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