EXPOSICIÓN
"EN EL INTERIOR DEL CIELO"
ABRAHAM CRUZVILLEGAS, CARLOS AMORALES, DAMIÁN ORTEGA, ELIZABETH CALZADO, PEPE MAR, JORGE MÉNDEZ BLAKE, JUAN PABLO MACÍAS, MARIANA CASTILLO DEBALL, MARIO GARCÍA TORRES, RICARDO RENDÓN, TANIA PÉREZ CÓRDOVA, TERESA MARGOLLES
COMISARIO: ALDONES NINO
Inauguración: 13 de junio, 19.00 horas
13 de junio al 11 de octubre de 2024
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
"En el interior del cielo" es una exposición que reúne el talento de destacados artistas mexicanos, diseñada para el Instituto Cultural de México en España. Esta selección, procedente de la colección de Collegium, busca visibilizar las investigaciones y procesos creativos de los artistas, invitándonos a realizar una reflexión crítica decolonial sobre las narrativas dominantes en el arte y la Historia. Estas obras reflejan intereses, a menudo transversales, que permean la poética de los doce artistas seleccionados. La exposición se divide en dos focos centrales que se mezclan y se confunden, pero que, de cierta forma, ayudan a comprender el diálogo establecido.
El título de la exposición se inspira en el texto "En el interior del cielo" de Nezahualcóyotl (1402-1472), un ilustre monarca, poeta y arquitecto que es un pilar del pensamiento prehispánico. En su poesía, el cielo se presenta como un espacio de autodeterminación y un portal hacia enigmas aparentemente inalcanzables. Esta elección no solo destaca la riqueza cultural y filosófica de las civilizaciones originarias de México, sino que también da continuidad al interés de analizar la historia más allá de los personajes históricamente reverenciados, ya que Collegium se localiza en la ciudad de Arévalo, en la provincia de Ávila, un entorno marcado por la monarca Isabel de Castilla, quien estuvo al frente de los procesos de contacto entre Europa y las Américas, así como por la figura de San Ignacio de Loyola y la edificación del complejo de Jesuitas, siendo este uno de los primeros colegios de la Compañía de Jesús construidos en Europa, y que luego influiría en la cultura de países de todo el mundo. Como institución cultural insertada en las dinámicas de la sociedad contemporánea y referenciar a Nezahualcóyotl, la exposición subraya la importancia de valorizar las perspectivas del mundo prehispánico, frecuentemente superpuestas y eclipsadas por referencias occidentales.
La escritura, el archivo y los procesos de aprendizaje son temas recurrentes en el arte, reflejando una preocupación por la memoria, la Historia y la transmisión del conocimiento. El proceso de escritura moldeado desde la biblioteca de Juan Pablo Macías funciona como un archivo visual de libros digitales vinculados al anarquismo, incorporado al acervo de instituciones educativas y corporativas. A su vez, la bibliografía de Mariana Castillo Deball se altera, revelando la materialidad y la permanencia del soporte, dotando de temporalidad a la bibliografía de publicaciones de arte de la década de los 70. De manera más transversal, Jorge Méndez Blake piensa la escritura a través de su proceso de falla, de las ideas no materializadas y del estado inicial de transmisión entre mente y papel. Mario García Torres, por su parte, investiga historias y cómo se transmiten y transforman, recontextualizando y explorando los procesos de escritura y memoria histórica; en este caso, haciendo referencia a José Salvador Alvarengua, un pescador salvadoreño que fue arrastrado por el viento desde la costa de Chiapas y pasó cerca de 13 meses a la deriva en alta mar antes de ser descubierto en las Islas Marshall.
Elizabeth Calzado nos presenta una cédula incomprensible, pero que incorpora en su propia materialidad la obsidiana, presente en diversas civilizaciones -incluyendo los Olmecas, Mayas y Aztecas, quienes la valoraban por su utilidad y belleza, sin olvidar el uso de espejos de obsidiana en prácticas adivinatorias-. Esta materialidad ahora se metamorfosea en formado de cédula que contiene información para ayudar a apreciar y comprender las obras en espacios expositivos. Así, tenemos aproximaciones al proceso de escritura e influencias temporales que alteran nuestra percepción de cómo se da el proceso de aprendizaje a lo largo del tiempo, sugiriendo nuevas formas de leer y entender la literatura e invitando a una reflexión crítica sobre cómo se construye y transmite el conocimiento en diferentes contextos culturales e históricos.
La exploración de materiales y la plasticidad del soporte son fundamentales en el arte contemporáneo, donde los artistas experimentan con diversos medios para desafiar las convenciones estéticas y conceptuales. En este sentido, Damián Ortega, en su constante proceso de construcción y reconstrucción, elabora la estructura interna de la Tierra con materiales comunes, revelando así su interior y la complejidad de las estructuras que nos sustentan. Teresa Margolles utiliza materiales relacionados con la violencia y la muerte en México, subrayando cómo los soportes pueden cargar significados profundos y cambiar nuestra percepción del arte y la realidad. Ricardo Rendón destaca la capacidad de los materiales para ser manipulados y reinterpretados, reflejando una constante búsqueda de nuevas posibilidades plásticas. Carlos Amorales combina elementos visuales y sonoros, utilizando la ocarina como soporte flexible, lo que subraya la importancia de la plasticidad del material y la reinterpretación.
Cruzvillegas explora la evolución del concepto de autoconstrucción: haciendo uso de material efímero clavado en la pared, reflexiona sobre su impacto ambiental y su relación con el entorno, utilizando papeles desechados como herramienta de autoanálisis que fusiona Historia, crítica y ficción. De manera similar, Pepe Mar crea ensamblajes con recortes de papel de revistas, catálogos y libros, así como objetos encontrados en tiendas de segunda mano de todo el mundo. La disrupción material también da forma a la pieza de Tania Pérez Córdova, creada a partir de una ventana originalmente ubicada en su estudio: una composición que trae el recuerdo material de su antigua ubicación en la Ciudad de México.
Esta metáfora del cielo, evocada por Nezahualcóyotl, resuena en la manera en que los artistas contemporáneos ponen en práctica su creatividad, buscando comprender tanto lo inmediato como lo inexplorado, en un eco del interrogante del poema "¿A dónde, en verdad, iremos?". Al explorar estas raíces prehispánicas, la muestra contribuye a desmantelar las jerarquías coloniales del conocimiento y a reafirmar una identidad cultural robusta y multifacética.
Esta muestra subraya el compromiso de Lorena Pérez-Jácome y Javier Lumbreras con la promoción del intercambio cultural, evidenciando así el vasto y vibrante panorama del arte contemporáneo mexicano.
Aldones Nino
Las piezas de la exposición "En el interior del cielo" forman parte de la colección privada de Lorena Pérez-Jácome y Javier Lumbreras, impulsores de Collegium.
***La exposición "En el interior del cielo" participa en la edición 2024 del Festival Hispanidad
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EXPOSICIÓN
"EN DEFENSA DE LA IDENTIDAD"
DE ÓSCAR MARTÍNEZ
13 de mayo al 04 de junio de 2024
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
"Una mirada reconoce la postal en lo que ve, que identifica y se anticipa a la imagen que ha de quedar fija, a manera de recuerdo tangible, es la mirada de quien ha recorrido un camino largo en el ejercicio de la observación. Quien mira así, sabe de matices y de texturas, de intenciones y efectos, de momentos álgidos y contextos.
Hacer fotografía implica en primer término, un profundo ejercicio de observación. Recorrer caminos distintos para llegar hasta la imagen imaginada y articular los elementos que la realidad brinda, disponer del entorno para volverlo escenario y extraer ese retazo para suspenderlo del tiempo cotidiano.
El objetivo buscando la caza de la imagen, muta de acuerdo al tipo de fotografía que se ejecuta. En la fotografía documental, mirar implica también, ahondar en la historia para poder tributarla. Documentar es reconstruir el hecho histórico desde el propio entendimiento.
Óscar Martínez comparte en esta exposición, imágenes que responden a una necesidad de sumar a la memoria colectiva. Nuestra identidad persiste, con semejanzas considerables y diferencias notorias, en contraste con las prácticas culturales de antaño. Las danzas, los rituales, la transmutación para llegar a otro plano, son herencia de nuestras particularidades y las necesidades internas que nos configuran.
Mañana que el tiempo haga nuevas modificaciones, este testimonio podrá referir lo que ha permanecido y lo que ha variado, lo que nos conforma el día de hoy."
- Ligia Donají
La exposición formó parte del festival "Primavera mexicana en España: Veracruz" que organizó el Instituto Cultural de México en España y la Secretaría de Cultura del Gobierno del estado de Veracruz.
Óscar Martínez. Fotógrafo mexicano. Licenciado en Artes Plásticas con especialidad en fotografía por la Universidad Veracruzana. Director de fotografía en la Agencia Veracruzana de Comunicación, AVC Noticias, fundador del Festival Internacional de Fotografía Mirar Distinto y profesor de fotografía en la Escuela Veracruzana de Cine Luis Buñuel. Ha publicado en diferentes medios locales, nacionales e internacionales (a través de la agencia internacional Reuters) y participado en conferencias dentro y fuera del país y en diferentes festivales de fotografía como el Festival Errante,y el Encuentro Internacional de Fotografía Periodística y Documental Cha Jaspy. Entre otros reconocimiento, recibió el Premio Estatal de Periodismo de Investigación.
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EXPOSICIÓN
"GERMÁN MONTALVO. DISEÑO GRÁFICO PARA LA CULTURA"
Inauguración (con presencia del artista): 29 de febrero, 19.00 horas
29 de febrero al 26 de abril de 2024
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
Los días viernes 12, 19 y 26 de abril se realizarán visitas guiadas por la exposición. Inscripciones al correo Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.
El Instituto Cultural de México en España presenta la primera exposición individual del diseñador gráfico mexicano Germán Montalvo en España. “Germán Montalvo. Diseño gráfico para la cultura” nos invita a recorrer 50 años de trayectoria de uno de los diseñadores más importantes de México, cuyo trabajo abarca desde el cartel de cine hasta la joyería, pasando por el diseño editorial y la cerámica. Como se puede observar en las piezas seleccionadas para esta exposición, los diseños de Montalvo son contemporáneos y atemporales, y su esencia multidisciplinar nos permite identificar el importante papel que juega el diseño gráfico en múltiples y diversos espacios de nuestra vida cotidiana.
Nacido en Omealca (Veracruz) en 1956, Montalvo trabajó desde muy temprana edad en reconocidos talleres de México e Italia en donde adquirió conocimientos en tipografía y artes gráficas que serían fundamentales durante toda su trayectoria profesional. Su obra se ha presentado en países como México, España, Brasil, Japón, Canadá, Polonia y Estados Unidos. Ha recibido múltiples reconocimientos, entre los que destacan el Premio Willy de Majo otorgado por la Bienal Internacional del Cartel en México, el Premio Mexicano de Diseño que otorga la Academia Mexicana de Diseño y la Medalla al Mérito en Artes del Congreso de la Ciudad de México. Desde hace varias décadas combina su labor creativa con la docencia en instituciones como la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y la Universidad de las Américas Puebla.
La presente exposición se realiza con el apoyo de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, Talavera Uriarte y el Centro de Arte, Diseño y Oficios (DIARYO). Colabora: Tequila Híjole. “Germán Montalvo. Diseño gráfico para la cultura” forma parte del Festival Off del Madrid Design Festival 2024.
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EXPOSICIÓN
"AFRODESCENDIENTES"
DE MANUEL GONZÁLEZ DE LA PARRA
13 de mayo al 4 de junio de 2024
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
"Oleadas de mestizaje y los ecos del origen resuenan en la fisonomía y la piel. Devenir de siglos para constatar la fuerza de una permanencia a la que tampoco hace mella la geografía. La América contemporánea sería incomprensible sin la afrodescendencia.
Para un humanista como Manuel González de la Parra resultó vital dedicar 15 años de trabajo a aproximarse a distintas poblaciones negras, tanto en el estado de Veracruz en México como en las costas atlántica y pacífica de Colombia, realizando así un ensayo fotográfico de largo aliento del que resulta un rico inventario de formas y apariencias.
Cabe decidir que, desde sus inicios, la fotografía se ha distinguido por su fascinación por el rostro; fiel a la tradición del retrato, González, sin embargo, no acude a la pose y el hieratismo y se encuentra entonces con la persona antes que con el personaje. Enteramente gente de carne y hueso que se muestra en su cotidianidad, es decir, en esa parte de la vida en donde soy auténticamente yo.
Evidenciar la riqueza de la diversidad sin alterarla o falsearla apunta a destruir la homogeneización como proyecto."
Elizabeth Romero Betancourt
La exposición formó parte del festival "Primavera mexicana en España: Veracruz" que organizó el Instituto Cultural de México en España y la Secretaría de Cultura del Gobierno del estado de Veracruz.
Manuel González de la Parra (Michoacán, 1954 - Veracruz, 2012). Fotógrafo mexicano reconocido principalmente por su registro de las comunidades afrodescendientes asentadas en Veracruz, así como en otras zonas costeras de México y Colombia. Radicó en Xalapa, Veracruz, desde 1972, donde estudió en la Facultad de Artes de la Universidad Veracruzana; en esta casa de estudios también fue docente y director del Instituto de Artes Plásticas, de 2006 hasta su muerte. Destaca también su labor como gestor: fundó el importante festival Junio Mes de la Fotografía, una iniciativa de gran impacto a nivel nacional, además de coordinar el Encuentro Internacional de Procesos Fotográficos Alternativos; impulsó una serie de iniciativas para fortalecer la difusión de la fotografía, además de trabajar en películas como "El coronel no tiene quien le escriba" (Arturo Ripstein, 1999) y "Otilia Rauda" (Dana Rotberg, 2001).
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EXPOSICIÓN
"BIUCES"
DE RUBÉN OJEDA GUZMÁN
COMISARIA: DIANA CUÉLLAR LEDESMA
Inauguración: 22 de noviembre, 19.00 horas
22 de noviembre de 2023 al 16 de febrero de 2024
Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid)
Embajada de México en España
Lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00 horas
Las biuces son pequeñas entrañas del cerdo que sobran tras la preparación del chicharrón y las carnitas. Fritas, constituyen una delicia gastronómica que se consume principalmente en el centro y sur de México. Esta exposición hace una lectura de la obra de Rubén Ojeda Guzmán a través del concepto del excedente como premisa operativa de la realidad mexicana en distintos ámbitos y escalas.
El cerdo es un animal relacionado con la abundancia y del que todo se aprovecha. De la misma manera, el Continente Americano históricamente ha sido visto como fuente inagotable de riquezas de todo tipo, alimentando apelaciones y mitologías como “El dorado”, “El Potosí” o sencillamente “El paraíso”.
Minería, agua, vegetación y mano de obra de reserva son algunos de los incentivos con los que México se proyecta en ciertos imaginarios como territorio de oportunidades. De acuerdo con esta premisa, los recursos naturales serían suficientes para sostener una producción orientada al crecimiento sin límites, mientras que una población creciente, en su mayoría joven, mantendría activos los ciclos de consumo.
Frente a la visión anterior, la crisis climática demuestra que es imposible crecer ilimitadamente con recursos limitados. Por otra parte, desde el pensamiento antropológico y la filosofía situada, expertas como Rossana Reguillo o Judith Butler han reflexionado acerca de la vida humana como un excedente más dentro de los mecanismos económicos y necro-geopolíticos del neoliberalismo imperante.
La obra de Rubén Ojeda Guzmán navega por estos asuntos de maneras diversas. Desde su práctica temprana, el artista manifestó su interés por la deuda como principio fundacional para la organización de la vida social. Esta inquietud lo llevó a pagar sus impuestos con obras de arte mediante el programa de pago en especie. Para ello, creó reflexiones visuales acerca de la piel de jaguar, usada como tributo por las antiguas culturas mesoamericanas. De la misma manera, en su obra se revisitan la iconografía porcina y el bioextractivismo como dos derivas de la administración y el expolio de los recursos. En su obra con pólvora, Ojeda Guzmán juega con lo visible y lo invisible como una forma de increpar el status quo del arte dentro del sistema de valores de la sociedad contemporánea. El talento, al igual que los recursos naturales, se plantea como un excedente más dentro de la gran cadena de generación de la riqueza.
Diana Cuéllar Ledesma
Agradecemos la colaboración de Boom! Art Community, Tequila Híjole, Coctelería Marrufo y Picaflor Mezcal Artesanal.
**Si quieres conocer más sobre la exposición, puedes escuchar la charla virtual que sostuvimos con Rubén Ojeda Guzmán y Diana Cuéllar Ledesma en el siguiente enlace: Conversación con Rubén Ojeda Guzmán y Diana Cuéllar Ledesma
Rubén Ojeda Guzmán (Oaxaca, 1991) es un artista conceptual que emplea diferentes medios como la instalación, el dibujo y la escritura. En el centro de su obra se encuentra la idea del arte como campo de batalla hacia una inscripción histórica. A través de su trabajo, ha construido una visualidad proveniente de la cultura de la escasez, la deuda y la diáspora.
Realizó el Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía en 2022 y se licenció con honores en Artes Plásticas por la Universidad de las Américas, Puebla (UDLAP) en 2014.
Este año será residente en la Real Academia de España en Roma (2023-2024). También fue artista residente de la Fundación Silos en 2023 y de Air-Montreux en Suiza en 2020. Obtuvo la mención de honor del Programa Acelerador de Artistas Latinoamericanos de Boom Art Community (España, 2023), la beca de Jóvenes Creadores del FONCA (México 2014-2015), el premio del Salón de Arte Universitario IMACP (2015) y uno de los premios Sala Joven del Museo de los Pintores Oaxaqueños (2012).
Ha realizado exposiciones individuales en México, Suiza y España y su trabajo se ha expuesto colectivamente en Suecia, Brasil, Noruega, Estados Unidos e Inglaterra Algunas de sus obras se encuentran en las colecciones de DiGoodCollection (España), Air-Montreux (Suiza), del Museo de la Cancillería y Toledo-INBA (México) entre otras privadas en Europa y México.
Diana Cuéllar Ledesma (Puebla, 1986). Es curadora y profesora universitaria radicada entre España y México. Doctora en estudios artísticos literarios y de la cultura por la Universidad Autónoma de Madrid, sus ensayos se han publicado en journals y revistas especializadas como Casa del tiempo (Revista de la Universidad Autónoma Metropolitana de México), Campo de relámpagos (España), Fórum Permanente (Brasil), ArtNexus (Bogotá) y Third Text (Londres).
En 2022 fue consultora de la editorial Phaidon para el libro Prime Art’s Next Generation, un panorama internacional de artistas menores de cuarenta años propuestos por curadores en el mismo rango de edad. En 2023 asesoró a la misma editorial para el volumen Artistas Latinoamericanos: de 1785 a la actualidad en el que también participa como escritora. Actualmente es curadora de Retropía de Dagoberto Rodríguez en el Museo de Arte y diseño de Miramar (Puerto Rico), Química Celeste de Glenda León en el Museo Amparo (México) y del ciclo de cine de la exposición Antes de América. Fuentes originarias en la cultura moderna, curada por Rodrigo Gutiérrez Viñuales en la Fundación Juan March. Forma parte del grupo de investigación Vinculando lo sagrado del Instituto Cisneros y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).
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